Notícias – Página 151 de 472 – Queen Net

Análise Vocal – Adam Lambert x Freddie Mercury

Studio Vocal Márcio Markkx fez a analise vocal de Adam Lambert e de Freddie Mercury.

Análise Vocal – Adam Lambert

Alcance Vocal: A2 – A5 ( Lá 2 – Lá 5).

Oitavas: 3 Oitavas.

Voz Plena: A2 – A5 ( Lá 2 – Lá 5).

Oitavas: 3 Oitavas.

Alcance Controlado: A2 – A5 ( Lá 2 – Lá 5).

Oitavas: 3 Oitavas.

Tessitura Vocal: D3 – B4 (Ré 3 – Sí 4).

Oitavas: 1 Oitava e 5 Notas.

Gêneros Musicais: Pop Rock.

Adam Lambert, atualmente, é um modelo de bom performer vocal ao vivo dentre os mais extravagantes nomes masculinos do meio. Sua carreira ganhou maior visibilidade após participar de um famoso Reality Show estadunidense e terminar em segundo lugar mesmo sendo, aparentemente, o favorito da massa. Posteriormente lançou um álbum em 2009 que foi sucesso de vendas nos Estados Unidos da América, parte da Europa e Oceania.

Timbre e Registros

Seu timbre é comumente demonstrado de forma agressiva e intensa, produzindo um som mais dramático e grandioso por conta de seu repertório de considerável complexidade. Cantando em uma tessitura extremamente alta para um homem de sua idade, Adam ostenta uma voz metálica, vibrante e álgida que se adéqua a sua persona on stage em detrimento de seu natural tom de emissão sem efeitos vocais complexos. Em suas interpretações os Eus Líricos em grande parte das canções são encorporados de forma deveras teatral e emotiva, abrindo margem para sua voz de considerável tamanho brilhar com suas distintivas notas agudas “beltadas”.

Seu registro agudo pleno é extremamente extenso, potente, metálico e descoberto, porém não aparenta ser primorosamente dúctil, já que só é demonstrado em notas da base da quarta e toda a quinta oitava em dinâmicas de F (Forte) em diante e nunca em P, PP, PPP (Piano, Pianíssimo, Molto pianíssimo) – vale ressaltar que sem recorrer ao falsete ou voz de cabeça  (Fazendo uso apenas do registro misto) Adam atravessa praticamente toda a quinta oitava e não adentra a sexta por conta de 2 tons. Falsete e voz de cabeça marcam presença em poucos momentos de seu canto, o que não significa que não poderia desenvolver certa perícia na execução de ornamentos neste registros – em algumas raras ocasiões pode-se conferir que o interprete não demonstra significativo revés com o passaggio – mas mesmo assim são deixados de lado para dar lugar a um som mais característico do rock.

Sua região média é naturalmente quente, delicada, emotiva e mesmo seu repertório e personalidade não explorando tais qualidades com afinco, estas características de seu timbre são perceptíveis em melodias de andamentos mais vagarosos e ralentados. Sua emissão se faz sólida e plástica até por volta de um A agudo acima do centro C, se iniciando em um G# da terceira oitava, tendo é claro predominância do registro de peito em sua emissão enquanto se mantém nesta faixa de notas, a fim de corroborar sua personalidade vocal – que usa do belting boa parte do tempo para evitar, de forma salubre, a passagem da voz para o falsete/voz de cabeça, lhe proporcionando um condicionamento vocal superior ao da média de interpretes Pop em acuidades semelhantes com respeito a seus respectivos tipos vocais e tessituras.

A região grave de sua voz é decentemente emitida, mas por manter-se em tons bastante agudos a maior parte do tempo, Adam tende a ficar ofegante por conta do aumento de ar que as notas graves exigem em sua execução e acaba perdendo significativamente ressonância e estamina quando tem de adentrar a base da terceira oitava.

Histórico Vocal

Ainda de cabelos loiros, na graduação do High School, em 2000, Adam e seus 18 anos já demonstravam grande conforto em performances ao vivo, cantando em uma estética mais contida e com um timbre mais aveludado, rico e quente. Neste período não existem gravações suficiente para traçar um perfil fidedigno de seu canto, apenas uma performance em sua formatura.

Já em 2004 podemos conferir uma performance mais teatral em um DVD de um musical que tornou-se viral depois de seu sucesso, demonstrando o timbre de Adam de forma mais próxima da que o consagrou em 2009. Aqui, seu registro superior já pode ser conferido na costumeira forma metálica e potente que perpetuou as rádios em seu apogeu comercial.

Já em 2009 seu timbre demonstrava estar mais frontal e agressivo. Adam demonstrava maior identidade artística neste período por dispor de maior liberdade e até mesmo necessidade para tal já que competia em um Reality. A agilidade no topo de sua tessitura e alcance marcava presença de forma mais extravagante, assim como o drive nas notas agudas em registro misto, tudo em prol de uma postura mais imponente e segura.

Atualmente sua voz segue a mesma premissa. Seu timbre, habilidades vocais ou cênicas não sofreram alterações significativas neste período de tempo.

Pontos Negativos

Apesar de dispor de um registro misto incrivelmente firme e extenso, o topo de sua extensão no mesmo pode estar sendo exposto com uma questionável técnica de emissão, já que foge em quase uma oitava a faixa de notas de um interprete masculino com uma voz naturalmente aguda, evitando exageradamente o passaggio para um registro mais leve com o “agravante” de uma embocadura que foge ao ideal em um padrão ótimo de emissão de canto (O famoso formante redondo). O posicionamento de sua língua durante a execução das citadas notas agudas é sempre frontal e reto para evidentemente evitar tensão na base da mesma para facilitar a execução do mix em acuidades estratosféricas, porém é perceptível em algumas performances que este posicionamento torna-se levemente exagerado cobrindo até mesmo os dentes inferiores.

Resolução dos Pontos Negativos

Previamente é necessário frisar que cada interprete dispõe de peculiaridades extremamente particulares com respeito a suas habilidades como cantores e que o senso comum em técnica convencional salubre é sim relevante e cientificamente provado e aprovado por profissionais capacitados, mas nem sempre uma afirmação que não está sujeita a exceções. Adam pode não estar sofrendo consequências negativas na execução de boa parte das notas de sua emissão na quinta oitava, mas os extremos e o formante “espalhado” da boca podem ser evitados visando longevidade vocal, adotando uma embocadura mais oval. Um repertório que vise valorizar outras regiões e dinâmicas de sua voz com o decorrer dos anos também pode contribuir para um envelhecimento saudável de suas pregas vocais.

Análise Vocal – Freddie Mercury

Alcance Vocal:  F2 – F6 (Fá Dois – Fá Seis).

Oitavas:  4 Oitavas.

Voz Plena:  F2 – A5 (Fá Dois – Lá Cinco).

Oitavas:  3 Oitavas e 2 Notas.

Alcance Controlado:  F2 – D6 (Fá Dois – Ré Seis).

Oitavas:  3 Oitavas e 5 Notas.

Tessitura Vocal:  C3 – A4 (Dó Três – Lá 4).

Oitavas:  1 Oitava e 5 Notas.

Sendo atualmente um dos músicos mais lembrados do fim da segunda metade do século XX, Freddie Mercury tornou-se uma inspiração para interpretes diversos por conta do sucesso alcançado em sua jornada de mais de 20 anos como cantor, compositor e instrumentista – sobretudo em seu tempo de atividade na banda britânica de rock Queen. Sua entrega em performance e sua singular forma de interpretar seu repertório deixou saudade nos corações dos fãs, que viram seu ídolo falecer no ano de 1991 na casa dos 40 anos de idade.

Registros

A região superior da voz de Freddie em seu registro misto era: Vibrante, gélida, metálica e rica. Entre seus contemporâneos era algo apreciado e popular o som do famosos drive, fielmente entoado em praticamente todos os momentos de clímax de suas canções ao vivo com bastante plasticidade até o A4 (Lá 4) acima do centro C (Dó 4) e em estúdio até os limites de seu registro misto (Que abrangia quase todas as notas da quinta oitava no mix head voice e abrangia o famoso dó de peito dos Tenores). No falsete Freddie já alcançou ao vivo um Ré de Soprano (D6) com controle e agilidade considerável para um interprete do sexo masculino; também sendo adepto do whistle register em raras, mas válidas, ocasiões é indiscutível seu virtuosismo em controlar sua grande extensão vocal.

Seu registro médio era escuro, metálico e de grande dimensão. Freddie era um interprete de voz masculina aguda e cantava habitualmente entre um D3 (Ré 3) até um A4 (Lá 4) em voz de peito e presava bastante por um som agressivo e emotivo, o que não o impedia de demonstrar colorações mais delicadas (Principalmente dentre as texturas diversas das gravações de estúdio).

Em estúdio o registro inferior era extenso e bem emitido para um homem que não dispõe de uma voz naturalmente tão grave. Notas da segunda oitava eram comumente executadas entre vocais harmonizados e uníssonos para corroborar o clímax de suas canções, porém já apareceram em linhas melódicas monofônicas sem problemas de soprosidade ou estabilidade com frequência.

Histórico Vocal

Em suas performances ao vivo Freddie sempre demonstrou grande facilidade em entoar canções gravadas em estúdio com fidelidade considerável quando precisava cantar até os limites de sua tessitura. Com seu pedestal pela metade e extravagantes roupas dos anos 70, o vocalista do “Queen” esbanjava estamina ao vivo, se movimentando de forma frenética sem deixar as linhas melódicas serem emitidas com ofegância em meio aos arranjos criados especialmente para performances ao vivo pela banda.

No início dos anos 70 seu repertório requeria uma voz extremamente metálica, com grande facilidade de emissão na região do topo da terceira e parte da quarta oitava em voz de peito, com aptidão também a se estender a notas do topo da quarta oitava em rápidos picos ao vivo a maior parte do tempo e em notas da quinta oitava sustentada em estúdio (Na canção “My Fairy King” podes encontrar um sustentado G5 ligado em glissando a um A5 em registro misto, depois um outro A5 em sustentado). Em canções como “Doing All Right” – de seu álbum debut – a coloração delicada de sua voz também é demonstrada de forma emotiva e delicada com direito até mesmo ao falsete (Registro este pouco utilizado por Freddie para cantar versos claros ou em notas sustentadas, notas estas que também aparece em “Great King Rat” em um A5 e em “My Fairy King”, novamente em sua região média de canto).

Na segunda metade dos anos 70 Freddie Mercury apresentava um timbre levemente mais rico e passa a cantar com uma postura mais adequada e requintada, valorizando sua emissão em performances ao vivo e sua desenvoltura em palco. Mas foi nos anos 80 que sua voz adquiriu o timbre dramático, escuro e rouco, que combinado a seu já famoso vibrato extremamente rápido e fluido, lhe conferiu tanta credibilidade em meio aos fãs de grandes vozes do passado – para muitos fãs este é o apogeu de seu timbre em gravações de estúdio.

Segunda metade dos anos 80, Freddie está próximo de parar de se apresentar em performances ao vivo em decorrência de sua doença. Não existem gravações que demonstrem o deterioramento vocal de Freddie, mesmo nas tardias gravações de estúdio sua voz só era entregue ao público demonstrando um padrão altíssimo de qualidade, e isso inclui o álbum “Made In Heaven” – gravado ao fim de sua vida, próximo ao apogeu de sua debilidade, e lançado após sua morte. O álbum, de forma alguma, demonstra vocais que entregassem facilmente seu estado físico e psicológico (Ouvidos treinados certamente percebem que as terminações de frases estavam ofegantes, o timbre menos rico, o falsete mais fraco e instável e os legatos de difícil acesso, mas estes defeitos técnicos evidentemente foram ocasionados pela doença do vocalista e não por sua conduta em palco).

Sempre exibindo umas musicalidade impar, cantar e tocar ao vivo nunca foi problema aparente em seus dias de glória, as duas funções distintas fluíam com grande facilidade e naturalidade, tendo como destaque o não detrimento de seu canto emotivo por conta dos acordes a serem executados ao piano. Seu senso de ritmo é outra questão a ser relatada, já que em seu período de atuação o retorno eram deveras mais obsoleto que em dias hodiernos, dificultando a execução de um repertório tão diversificado e árduo em meio a um ambiente onde alarido é algo tão comum.

Pontos Negativos

Freddie Mercury foi um interprete que realmente se entregou bastante a suas performances ao vivo, porém evitava algumas notas agudas, colocando interlúdios no lugar de alguns versos cantados, o que lhe conferia mais longevidade vocal em meio a uma agenda extremamente lotada de shows, mas deixava de mostrar a proposta gravada.

Fontes:
www.facebook.com/vocalpop

http://studiomarciomarkkx.com.br/analise-vocal-adam-lambert

http://studiomarciomarkkx.com.br/analise-vocal-freddie-mercury

Dica de: Roberto Mercury

Por Tiago Abreu, Fonte: Is This The Real Life?

Uma das canções mais famosas do QUEEN, especialmente em território nacional, é “I Want to Break Free” também é uma das músicas mais incompreendidas da banda. Lançada em 1984, no álbum “The Works”, foi escrita por John Deacon.

Anteriormente ao disco, a banda estava em turnê do questionado álbum “Hot Space” e, neste período, o grupo estava cansado de digressões. Nesta época, Brian May gravou um disco com EDDIE VAN HALEN, Roger Taylor preparou um segundo disco solo e Freddie Mercury passou a trabalhar em seu futuro primeiro LP solo. John Deacon, por sua vez, foi descansar com sua família.

Em meados de 1983, John Deacon escreveu a canção. A respeito de suas composições, o baixista disse, em uma entrevista no ano anterior, que normalmente escreve canções criando personagens e temas cujas reflexões os permeiam. Assim, é comumente aceito que “I Want to Break Free” trata, simplesmente, de alguém que deseja se libertar de dificuldades. Em entrevista a Globo, no famoso diálogo com Glória Maria, Freddie Mercury diria que “tem a ver com todos. É alguém que tem uma vida difícil e quer se livrar de seus problemas”.

Durante as gravações do álbum, a banda estava em crise, mas decidiram seguir em frente. Para a divulgação do disco, foram lançados quatro singles, cada um escrito por um dos membros: “Radio Ga Ga” (Roger Taylor), “It’s a Hard Life” (Freddie Mercury), “Hammer to Fall” (Brian May) e “I Want to Break Free” (John Deacon).

Uma curiosidade sobre o single é que ele veio em várias capas distintas. Uma delas tinha a foto dos quatro membros, e outras quatro capas com fotos individuais. Para a divulgação da canção, surgiu a ideia de gravar o seu clipe.

A ideia do videoclipe veio da então namorada de Roger Taylor, Deborah Leng (que aparece no clipe de “Breaktru”), que sugeriu a banda uma paródia da novela Coronation Street, caracterizados como drag queens. Taylor levou a ideia para os demais, que aceitaram em fazer algo bastante humorístico e irônico.

No DVD de clipes da banda, lançado em 2003, Roger disse que ele e o diretor David Mallet chegaram a fingir um namoro na chegada da namorada de David ao local de gravação. Nas cenas, Taylor está vestido como uma jovem estudante. Brian, no mesmo material, diria que praticamente ninguém fora da Inglaterra entenderia que o vídeo se trata de uma paródia escrachadamente humorística.

Nas cenas seguintes, principalmente pensadas por Freddie e David Mallet, os quatro membros estão em um local escuro, juntamente a mineiros. Mais tarde, Freddie surge sob uma série de pessoas, fazendo outra referência, desta vez a uma peça feita pelo Nation Ballet, em que o vocalista surge como Puck, um ser mitológico que faz travessuras.

O clipe da canção foi muito bem recebido no território britânico – onde Coronation Street era exibida – e no território norte-americano, o vídeo chegou a ser recusado em algumas emissoras porque era “impróprio”.

A canção tornou-se um sucesso, e foi tocada no Rock in Rio de 1985, aqui no país. Nesta ocasião, surgiu-se muitos boatos acerca da canção, inclusive reproduzida erroneamente em livros. No entanto, “I Want to Break Free”, no Brasil, foi executada e recebida com êxito.

Mesmo depois de 30 anos correndo pelo mundo, a música ainda é interpretada, por muitos, como apologética ao mundo LGBT, o que não procede.

Fonte: http://whiplash.net/
Dica de: Roberto Mercury

Se o grande vocalista do Queen estivesse vivo, o que ele cantaria sobre a atual situação do Brasil?

Humorista Gustavo Mendes faz paródia de “We Are The Champions”

Gustavo Mendes, atualmente integra o elenco do “talk show” “Agora É Tarde” (Band). Já passou pelos programas “Zorra Total” e “Casseta & Planeta – Vai Fundo!”, ambos da Globo.

Há alguns anos criou a imitação da presidente Dilma Rousseff e faz sucesso na internet e em shows pelo Brasil. Suas participações em vídeos do canal do YouTube Parafernalha somam mais de 21 milhões de visualizações.

Fonte: https://www.youtube.com/user/gustavommendes
Dica de: Roberto Mercury

O jovem produtor Wesley Henriques do Home Studio 7 Gravações, de Itaporanga/PB, está provando no Soundcloud que a zueira não tem mesmo limites. Wesley publicou uma série de “mashups” que misturam clássicos do Rock com Forró.

Confira abaixo uma inusitada versão para “We Are The Champions”, do Queen.

[soundcloud url=”https://api.soundcloud.com/tracks/217043722″ params=”auto_play=false&hide_related=false&show_comments=true&show_user=true&show_reposts=false&visual=true” width=”100%” height=”450″ iframe=”true” /]

Fonte: https://soundcloud.com/
Dica de: Roberto Mercury

O português Andre Antunes resolveu fazer um vídeo sensacional mostrando como seriam as versões de “Get Lucky”, do Daft Punk, se fossem tocadas por alguns dos melhores guitarristas do mundo.

A lista inclui: Carlos Santana, Steve Vai, Kurt Cobain, Angus Young, Slash, Brian May, Mark Knopfler, Joe Satriani, Eddie Van Halen, Tom Morello.

Veja só que show:

Fonte: http://uhull.virgula.uol.com.br
Dica de: Digão

Resenha do show da banda “Maestrick” que tocou o álbum Queen II na íntegra.

Por: Kiko / Marcos Imamura

Assim que soube que soube que haveria um show no SESC de São José do Rio Preto, onde moro, em que uma banda tocaria o álbum Queen II na íntegra, é claro que fiquei doido. Além de mais que fã do Queen, o álbum Queen II é o meu preferido e contém a minha música preferida também, The March of the Black Queen. Fui, então, pesquisar quem era a banda que iria tocar. Quando descobri que a Maestrick era local, de S.J. Rio Preto, procurei contato na hora e conversei um pouco pelo facebook com o vocalista, Fábio Caldeira. Cara gente finíssima, já busquei mais informações sobre o show e, de cara, já dei os parabéns pela iniciativa e pela coragem, porque só querer assumir essa responsabilidade já indica muito da capacidade da banda.

O Maestrick é uma banda com trabalho autoral próprio, caindo mais pro rock pesado, mas com um som bem eclético, que passa por ritmos e estilos variados, mesmo dentro de uma mesma música, mas sempre com um cuidado especial com os vocais, como se pode ver nas duas músicas próprias que tocaram no show também (vejam os vídeos no final). Por esse estilo é que o Queen II se encaixa muito bem no perfil da banda.

A banda foi formada aqui na cidade de São José do Rio Preto/SP, no ano de 2006, e é formada por Fabio Caldeira (vocal e piano), Renato “Montanha” Somera (baixo e vocal), Heitor Matos (bateria e percussão) e Paulo Pacheco (guitarra). No show do Queen II, a banda esteve acompanhada de Maurício Lopes (teclados/backing vocals), Dani Castro e Carol Penhavel (backing vocals) e Rubens Silva (guitarra).

Quem tiver interesse em conhecer mais da banda, pode ver o site deles (www.maestrick.com.br) e ver também os dois últimos vídeos aqui deste post, com músicas autorais deles que tocaram no SESC. Também podem ouvir algumas das músicas na página da banda no Soundcloud: https://m.soundcloud.com/powerprog/sets/maestrick-h-u-c-ep

Enfim, como não podia deixar de ser, o show caiu nos ouvidos dos fãs de carteirinha do Queen, alguns porque fiz propaganda, outros por outros meios. Fato é que algumas pessoas me pediram pra gravar o show inteiro, já que não poderiam estar presentes. Depois, o Hélio Lima, do grupo Queen Eternamente, do facebook, me pediu pra escrever uma resenha sobre o show, que é o que estou cumprindo agora com esse post 🙂

No dia do show, estava viajando a trabalho e só cheguei em S.J. Rio Preto quase 20h. Fui pra casa, tomei banho, peguei a câmera e o tripé e fui pro SESC. De cara já fiquei impressionado como estava cheio. Acredito que a maior parte de pessoas que já conhecem e reconhecem o trabalho do Maestrick, além dos fãs do Queen e de rock, claro.

Arrumei tudo bem na frente do palco, mas a organização não me deixou usar o tripé, dizendo que atrapalharia a circulação. Então, desmontei o tripé e filmei tudo com a câmera na mão mesmo (o que justifica tremidas, principalmente nas músicas que curto mais :D).

Antes do show estava ansioso, imaginando se tocariam o álbum todo direto, como no disco. No final, algumas a banda emendou, em outras fez parada entre as músicas. De certo modo, faz sentido ter dado as quebradas para poder falar com o público. Mas, o mais importante foi ter mantido a sequência das músicas do disco no show.

Vale destacar também as ótimas explicações do Fábio (vocalista) sobre o disco, o conceito, a diferença entre os lados, e também sobre as músicas, em especial sobre a Fairy Feller’s Master Stroke, excelente. Isso tudo foi perfeito para o projeto que se pretendia, de tocar o Queen II na íntegra.

Antes de falar um pouco mais de cada música, algumas ressalvas. Primeiro, o show foi foooodaaaaaa. Não tem o que falar dos caras. Como disse, só de topar tocar o Queen II, os caras já merecem aplausos. E o Maestrick deu conta do recado. Veria o show e verei o show quantas vezes puder. No geral, os arranjos muito bem trabalhados, preocupação merecida com os vocais, timbre das guitarras muito bem arranjados à la Brian, o Fábio mandando hiper bem na árdua e dificílima tarefa de ser a voz de Freddie Mercury, e sem contar o super profissionalismo da banda.

Dito isto, minha maior ressalva é: vou fazer comentários e críticas ao show, críticas de um fã fanático pelo Queen, com anos de experiência ouvindo Queen no detalhe, e que, como tal, acha coisas pra criticar mesmo num show excelente como foi esse. Então, ressalto que nada das minhas críticas tira o mérito da banda e do show. São coisas bem pontuais, mas que espero possam ser construtivas pra banda (para as próximas apresentações do mesmo show).

QUEEN II

Procession

O show começou com a gravação de Procession. Tudo bem que o Queen usava o áudio da gravação original para abrir os shows na época. Mas eu teria tocado a música ao vivo no show. Tá certo que não é fácil a orquestração da guitarra, mas, bem ou mal, a banda estava com dois guitarristas, mais o tecladista que podia dar um apoio com teclado ou guitarra. Eu arriscaria e seria um diferencial legal logo de cara.

Father to Son

Logo quando o show mesmo ia começar, entrou por acidente uma música nada a ver e quebrou um pouco a expectativa. Mas acontece. Talvez pelo nervosismo, o primeiro acorde da guitarra já foi desencontrado com a bateria.

Aliás, um aparte ao show. Como fã e também como baterista fanático por Queen, uma coisa que não gosto, e sei que isso é normal mesmo para as bandas tributo ao Queen, é que o cuidado que as bandas têm de tocar as guitarras, pianos, baixos e etc igual ao Queen acaba faltando pra bateria. Parece que a bateria não tem arranjo próprio, mas pra mim tem. Aliás, por isso que gosto tanto do Neil Peart, do Rush. O cara toca um arranjo na bateria. Não é nada aleatório.

Em Father to Son, por exemplo, senti muita falta de a bateria ser como a da gravação. Isso faz falta principalmente nos momentos em que é a bateria que faz a transição entre algumas variações da música.

Ponto alto da música foram os vocais, que ficaram excelentes, e o som das guitarras, e também os solos, que ficaram muito bem encaixados.

White Queen

A música já começou bem demais, com os efeitos na guitarra excelentes, no clima exato da gravação. Ficou perfeito. O uso do teclado para fazer os vocais antes da parte pesada da música também ficou perfeito.

De novo, me dói a bateria não ter sido igual à da gravação. Mas, em White Queen isso não pesou muito.

As improvisações no meio da música ficaram muito boas. A banda sacou bem que a música permitia isso e aproveitou bem para os solos improvisados de guitarra.

E a música terminou perfeita, as it began! 🙂

Some Day One Day

O violão inicial ficou excelente, assim como a guitarra.

Apesar de o estilo ser muito diferente do Freddie, a voz do Fábio coube bem na música também como Brian May.

Pode parecer detalhe, mas o pandeiro tocado pela backing vocal ficou perfeito, principalmente no final da música. Excelente.

Só achei que a finalização da música ficou estranha. Senti falta da volta da música depois da parada. Mas dá pra entender, porque se voltasse, seria difícil também fazer um final da música, no lugar de ir abaixando o som.

The Loser in the End

Confesso que essa é a música que menos curto do disco. Na verdade, confesso que isso é comum pra mim, porque até o final dos anos 70, as músicas do Roger (e olha que eu sou baterista por causa dele) sempre foram as que menos me atraíram nos discos do Queen (tipo Drowse, Fight from the Inside, More of that Jazz), apesar das ótimas exceções tipo Sheer Heart Attack e I’m In Love with My Car.

Mas, voltando ao show, justamente por ser do Roger é que, nessa música, fez falta a bateria ser exatamente como no disco. O início da música, por exemplo, pra mim, não permitia improvisações ou mudanças. Pra mim, tirou a caracterização da música.

Também por ser música do Roger, o vocal ficou prejudicado. Não é culpa do Fábio, mas o timbre e altura da voz do Roger dificultam qualquer um de cantar no estilo parecido.

Apesar de as guitarras estarem como no arranjo do disco, faltou uma cama de som no fundo, um teclado talvez, como se percebe no disco. Acabei sentindo que as guitarras soaram muito em socos, quebrando um pouco a música de um jeito que não tá no disco.

Houve umas falhas da banda no arranjo, como o desencontro da guitarra com a bateria no final, mas nada comprometedor.

Ponto alto foi a banda ter aproveitado bem que o final da música libera pra uma improvisação e fizeram ótimos solos de guitarra.

Ogre Battle

Começo da música excelente, como o Queen fazia ao vivo, mas com um pequeno erro na guitarra, que cortou um pedaço da música. Tirando isso, a música inteira foi boa demais, pesada como deveria!

The Fairy Feller’s Master Stroke

O instrumental e os vocais ficaram fenomenais. As meninas cantando a parte alta da música também ficou excelente! E o ponto alto da música, e um dos melhores do show, foi o trecho só em vocal no meio da música. Excelente ideia da banda e muito bem executada.

Nevermore

Essa eu realmente gostaria que já tivesse efetivamente começado emendada com Fairy Feller’s, sem espera, porque acho que faz parte do “pacote” de Fairy Feller’s. Tirando isso, a música foi muito bem executada. Acho só que os vocais ficaram um pouco sumidos. Podiam ter tido um pouco mais de foco, estarem mais altos, porque são ponto alto desta música pra mim.

The March of the Black Queen

Minha música preferida do Queen. O vídeo está bem mais tremido porque eu estou realmente na curtição da música.

Destaque para o piano perfeito que ficou! Timbre das guitarras perfeito também. Só houve umas falhas de algumas notas nos solos de guitarra.

A parte vocal na parte mais lenta no meio ficou muito boa, principalmente considerando a dificuldade que é de fazer esses vocais.

Outro detalhe muito bom foi a voz do tecladista (Maurício) fazendo a parte do Roger depois que volta o rock pesado. Caiu muito bem.

Enfim, uma bênção ouvir ao vivo minha música preferida tocada neste nível de qualidade.

Funny How Love Is

Nessa ficou perfeita a emenda com March of the Black Queen. Ficou perfeito com as backings cantando. O arranjo ficou muito bom também.

Seven Seas of Rhye

O timbre do teclado soou um pouquinho estranho no começo e houve uns desencontros no arranjo no meio da música. Mas a música ficou muito boa.

No final, como sugestão, acho que seria legal terminar o show com a gravação de “”Oh, I do like to be beside the seaside”, como no final do disco do Queen. Acho que daria um clima bem legal pra encerramento da apresentação, fechando o álbum (ainda mais que começou também com a gravação inicial de Procession).

BÔNUS

Além das músicas do Queen II, o Maestrick deu de lambuja no show mais duas músicas do Queen: Love of My Life e Bohemian Rhapsody.

Love of My Life

Não tinha como ser diferente. A música é linda e com o local lotado e cantando junto, a apresentação ficou ótima. Só o arranjo foi modificado, não sei se por erro ou propositalmente.

Bohemian Rhapsody

O Maestrick encerrou a apresentação da melhor forma possível, com uma ótima rendição de Bohemian Rhapsody. A backing vocal cantando parte da música caiu muito bem também.

Mérito também de terem feito ao vivo a parte da ópera no meio. A minha banda, Bohemian Queen, sempre tocou ao vivo Bohemian Rhapsody na íntegra, inclusive a ópera, e sei muito bem a complexidade que é fazer isso. Claro que ajudou o fato de ter backing vocals, que facilita, mas o trabalho não fica menos complexo. E ainda fizeram o vocal inicial da música. Bom demais.

MÚSICAS AUTORAIS

O Maestrick apresentou no show duas músicas de composição própria, Puzzler e Aquarela. As duas estão no Soundcloud pra quem quiser ouvir.

Puzzler

Essa música é um bom exemplo da complexidade que é o Maestrick. Ao mesmo tempo que a música é pesada, o ritmo soa praticamente regional brasileiro, permitindo a brincadeira até com o público cantando Puzzler.

Aquarela

Os vocais da música são muito bons e a música é cativante. Dá vontade de sair cantando. Os arranjos variados e bem elaborados ao longo da música. Deu pra ver no show também que o público conhece a banda e sabia cantar a música já.

VÍDEOS

Procession + Father to Son + White Queen (primeira parte)

 White Queen (continuação)

 Some Day One Day

 The Loser in the End

 Ogre Battle

 The Fairy Feller’s Master Stroke + Nevermore

 The March of the Black Queen + Funny How Love Is

 Seven Seas of Rhye

 Love of My Life

 Bohemian Rhapsody

Puzzler

 Aquarela

Durante os anos em que o QUEEN esteve ativo, em sua formação clássica, algumas canções foram gravadas sem quaisquer participações de Freddie Mercury, seja como vocalista, compositor ou vocal de apoio. Veja e ouça músicas que constam nestes exemplos.

Good Company

A décima faixa do clássico “A Night at the Opera”, gravada pelo trio Brian May, John Deacon e Roger Taylor, foi escrita por Brian. Sua sonoridade, que de certa forma emula a Original Dixieland Jass Band, tornou-se um destaque no estilo de May, o qual se destaca no ukelele.

Fight from the Inside

“Fight from the Inside” foi escrita por Roger Taylor, que a grava quase completamente sozinho, ficando responsável, além da bateria, pelo baixo, guitarra base e vocais. Brian May aparece em alguns momentos, no entanto, não há participação de John Deacon e Freddie Mercury.

More Of That Jazz

De autoria do baterista Roger Taylor, mais uma vez contém sua participação predominante e tocando quase todos os instrumentos. No meio de “More Of That Jazz” ainda há recortes de outras músicas do álbum “Jazz”.

Hijack My Heart

Depois do álbum “Jazz”, o único disco que teria alguma canção sem a participação de Mercury seria “The Miracle”, de 1989. Nele, várias canções a mais foram gravadas, algumas delas destinadas a serem B-sides de singles, outras arquivadas. “Hijack My Heart” foi escrita e gravada por Roger Taylor, músico que, nesta época, também mantinha projetos paralelos.

Sleeping on the Sidewalk

De autoria de Brian May, “Sleeping on the Sidewalk” faz parte do “News of the World” e é outra canção do disco gravada sem Mercury. Brian, John e Roger tocaram o instrumental da faixa ao vivo no estúdio, e mais tarde, May gravou os vocais.

Leaving Home Ain’t Easy

“Leaving Home Ain’t Easy”, do álbum “Jazz”, é outra de Brian May. De condução suave, a balada conteve exclusivamente seus vocais.

Chinese Torture

Uma das poucas faixas instrumentais do Queen, “Chinese Torture” foi gravada pela cozinha da banda, sob a condução de Brian May. O registro ocorreu durante as sessões de “The Miracle”.

Lost Opportunity

Ficando de fora do álbum “Innuendo”, por conta da música “Delilah”, “Lost Opportunity” é um blues rock cantado por Brian May, numa época em que estava sofrendo de depressão. A canção é uma das mais melancólicas desta época.

No-One but You (Only the Good Die Young)

Gravada em 1997 como single da coletânea “Queen Rocks”, “No-One but You (Only the Good Die Young)” foi escrita por Brian e Roger, com a participação de John Deacon. A canção, em homenagem a Freddie, foi uma das últimas de toda a carreira do Queen.